Le peintre italien Cimabue (actif dernier quart du XIIIe siècle) travaille dans un style italo-byzantin caractérisé par une vigueur et une vivacité qui le distinguent de l'art plus conventionnel de son temps et anticipent le style plus naturel du XIVe siècle.
Cimabue dont le prénom était Cenno de 'Pepi, est probablement né avant 1250. Le premier document qui lui est associé date du 8 juin 1272. La seule autre phase documentée de la vie de Cimabue concerne sa mosaïque d'abside, Saint Jean l'Évangéliste, dans la cathédrale de Pise, datée 1301-1302. Il est mort quelque temps après le milieu de 1302.
Certains indices de la personnalité de Cimabue proviennent de sources littéraires. Dante a mentionné Cimabue dans le The Divine Comedy mais était plus préoccupé par la leçon de morale à enseigner sur la nature éphémère de la renommée que par le caractère de Cimabue: "Une fois, Cimabue pensait tenir le terrain / En peinture; Giotto fait fureur aujourd'hui; / La renommée de l'autre réside dans la poussière dissimulée "(Purgatoire, Canto XI, 94-96, trad. Dorothy L. Sayers).
Dans un commentaire du début du XIVe siècle sur la Comédie divine, Cimabue a été décrit comme arrogant et hautain; Cependant, le récit de Lorenzo Ghiberti de la légende, plus tard répétée par Giorgio Vasari, de la façon dont Cimabue a découvert Giotto en tant que berger dessinant sur une pierre plate et a proposé de former le garçon au métier de l'artiste suggérerait que la disposition de Cimabue avait également un côté charitable.
La majorité des exemples existants de l'art de Cimabue se compose de fresques et de peintures sur panneaux. Les plus étendues sont les fresques du transept et de l'abside de l'église supérieure de S. Francesco à Assise (vers 1290). Vasari a déclaré que Cimabue était responsable de toutes les décorations de l'église supérieure à l'exception de la série de fresques consacrées à la légende de Saint François. Les critiques modernes ont eu tendance à voir Cimabue comme l'esprit directeur derrière la décoration du transept et de l'abside, mais pas nécessairement l'auteur de chaque scène.
Le grand Crucifixion scène dans le transept gauche est le chef-d'œuvre parmi les œuvres de Cimabue à Assise. La fresque, qui a maintenant l'apparence d'un négatif photographique, résultat du noircissement des pigments de plomb, est puissante et évocatrice. Cimabue a pris une forme iconographique byzantine, le Christ mort sur la croix, et l'a remplie de drame humain. Des rythmes doux parmi les fidèles à gauche à l'hystérie palpitante des anges flottant autour de la croix, Cimabue a raconté l'histoire de la Crucifixion en termes directs et humainement compréhensibles. Les figures fermement rendues possèdent une plasticité et une plénitude que l'on ne trouve pas couramment dans la peinture de la fin du XIIIe siècle et expliquent certainement pourquoi il a été cité comme le premier peintre à rompre avec la manière «grecque» et à développer un style de peinture plus naturel.
Les portraits des évangélistes dans les voûtes de la traversée révèlent également l'habileté de Cimabue à créer des formes pleines et plastiques. Placés dans la moitié du format triangulaire plutôt maladroit, équilibrés dans l'autre moitié avec un paysage urbain, les évangélistes sont assis sur des trônes de bois dessinés dans une perspective déformée. Leurs têtes et mains ont un volume tout à fait cohérent avec le rendu tridimensionnel de la draperie.
Dans l'église inférieure de S. Francesco se trouve la fresque Madonna a intronisé avec les anges et saint François. C'est l'une des œuvres les plus touchantes de Cimabue, bien qu'elle soit actuellement en mauvais état.
Deux bois peint crucifix démontrer l'évolution du style de Cimabue. Dans l'œuvre antérieure, à S.Domenico, Arezzo, qui date probablement d'avant les fresques d'Assise (c'est-à-dire avant environ 1290), l'artiste a conservé les conventions italo-byzantines traditionnelles, en particulier dans la définition linéaire des muscles, traitement de les cheveux, des stries dorées dans le pagne opaque, et deux portraits en buste aux extrémités. Le travail ultérieur, anciennement à Sta Croce, Florence (détruit en 1966), qui date probablement de la même époque que les peintures murales d'Assise, a montré une nouvelle douceur de modelage et un abandon de certaines conventions byzantines, comme les stries d'or. Le torse du Christ a été modelé avec des tons larges et très variés qui avaient tendance à supprimer l'apparence d'écaille de tortue observée dans le crucifix d'Arezzo. Dans le crucifix de Florence, Cimabue progressait sur la voie d'un plus grand naturalisme.
Le grand Madonna a intronisé de l'église de Santa Trinita à Florence (1280-1285) est l'une des meilleures peintures à étudier pour comprendre l'art de Cimabue. L'artiste a conservé un certain nombre de motifs byzantins mais a abandonné l'éloignement austère et hiératique de la Vierge byzantine typique pour une chaleur plus douce et plus humaine. Elle est plus accessible, plus aimante, plus la mère terrestre. Cimabue, en outre, a montré un souci pour la représentation réaliste de l'espace dans sa disposition des anges autour du trône et dans la perspective du trône lui-même. Les quatre bustes qui apparaissent dans les ouvertures sous le trône sont sans précédent. Ils confèrent au panneau une stabilité architecturale et une importance que l'on ne retrouve dans aucune autre œuvre de l'époque.
lectures complémentaires
La littérature sur Cimabue est importante, la plupart des travaux étant en italien et en allemand. Parmi les œuvres en anglais Monographie d'Eugenio Battisti Cimabue (1963; trans. 1967) est le plus utile. Il comprend des transcriptions complètes de tous les documents, la plupart des sources les plus anciennes, un catalogue raisonné, une bonne bibliographie, et surtout des reproductions fines en couleurs et en noir et blanc. Alfred Nicholson, Cimabue: une étude critique (1932), est fondamentale pour comprendre et apprécier le rôle de Cimabue dans l'évolution de la peinture italienne. Il comprend des annexes très utiles, avec des résumés de documents et de sources et des listes d'œuvres authentiques et attribuées. □