Le peintre italien Alberto Burri (1915-1995) a travaillé dans la tradition du collage de Schwitters et des dadaïstes. Son art se caractérise par un amour pour les effets de texture et par des images évocatrices de guerre et de déchets industriels.
Alberto Burri est né à Città di Castello. Il a étudié la médecine et a été chirurgien pendant la Seconde Guerre mondiale. Capturé par les Alliés, il commence à peindre en 1944 dans un camp de prisonniers de guerre du Texas. Là, il a développé ses compétences de chirurgien dans la création artistique. Il a cousu ensemble des bouts de toile de jute, de métal et de bois pour créer des métaphores de chair déchirée et saignante.
Lorsque Burri est revenu à Rome en 1945, il a abandonné la médecine. Ses premières peintures, avec leurs images d'entailles, de blessures et de chair déchirée et putréfiée, rappellent ses impressions de guerre. Il a déchiré ses matériaux, les a brûlés, puis les a cousus adroitement ensemble, travaillant à la fois comme soldat, mutilant, et comme chirurgien, guérissant avec amour. Il a souvent discrètement éclaboussé la composition de peinture rouge, d'huile noire ou de petites touches de jaune ou de blanc.
Le travail de Burri rappelle sous forme de collages cubistes, de Kurt Schwitters Merzbild, et constructions fantastiques surréalistes. Les collages de Burri, cependant, manquent de nihilisme et de colère de Schwitters et deviennent des métaphores poétiques de la souffrance. Burri a ressuscité les déchets et les excrétions de la technologie, de la guerre et du temps, et avec un sens certain de la texture et de la composition, il a fait évoluer une œuvre à la fois sensuelle et brutale.
À la fin des années 1950, Burri enrichit les premiers collages de textiles, de bois, de peinture et de plâtre avec des morceaux de métal. Dans ces "ferris" (du mot italien pour fer, fer), il a soumis le métal aux mêmes mutilations, brûlures et guérisons auxquelles il avait soumis les matériaux précédents. Il a combiné le métal corrodé et oxydé avec des cendres, de la toile de jute, du bois et de la peinture. Les œuvres mêlent ainsi des couleurs et des textures naturelles à des surfaces brûlées, oxydées, soudées et peintes.
Les ferris étaient peut-être moins organiques, moins directement évocateurs de chair blessée et de plus en plus un commentaire sur les ravages et les déchets industriels et technologiques. La beauté des premières œuvres a été remplacée par une présence inorganique, le charnel par le technologique: un commentaire sur l'industrialisation moderne.
Les ferris de la fin des années 1950 ont cédé la place à la fin de 1963 au «plastiche». Ici, Burri a étiré des feuilles de plastique transparentes sur la toile, puis les a perforées, ratatinées et carbonisées. Le plastique, avec ses évocations du supermarché, de l'emballage, de la vie dans la société technologique, a été soumis à la même mutilation, la même mutilation, la caractéristique de tranchage, de carbonisation et de guérison, pour créer des bords ratatinés, effrayants et des cratères béants révélant la toile peinte sous , rythmé par les reflets des surfaces translucides. Burri a expérimenté le bois de la même manière. Les années 1970 ont marqué un changement stylistique lorsque Burri a commencé à peindre de grands résumés aux couleurs vives sur des feuilles monumentales de panneaux de particules.
Burri évitait scrupuleusement les projecteurs, accordant rarement des interviews et partageant son temps entre les maisons de Città di Castello et de Los Angeles. En 1981, il s'installe à Beaulieu, en France, près de Nice, et fait la navette entre cette ville et l'Italie. À la fin des années 1980 et 1990, Burri a choisi Cellotex, un composé dérivé de la scission de la cellulose, comme son milieu préféré. Dans une série de résumés noir sur noir, il a utilisé le Cellotex pour soutenir le pigment afin de créer de subtiles variations dans le ton et la texture de la peinture. Montrant l'influence du trompe-l'œil, les formes géométriques ainsi créées se transforment en lettres stylisées qui forment une anagramme du titre de la série.
Burri a vécu pour profiter de sa réputation comme l'une des figures prééminentes de l'art italien d'après-guerre. Il a fait l'objet d'une importante rétrospective à Milan en 1985, et son travail a été exposé à la Biennale de Venise en 1988, à l'enquête sur l'art italien du XXe siècle montée à Londres en 1989, et dans le cadre d'un panorama de l'art italien d'après-guerre. organisé en 1994 par le musée Guggenheim de New York. Au cours de ses dernières années, il a souffert d'emphysème. Il est décédé d'une insuffisance respiratoire à l'hôpital Pasteur de Nice le 13 février 1995.
L'essence du travail de Burri est une sensibilité à la texture et une compassion pour les déchets de la civilisation. Il a soumis ces déchets à d'autres humiliations avant de les guérir, mais de l'ensemble émerge une métaphore poétique et esthétique de la souffrance, et les compositions elles-mêmes deviennent des objets évocateurs de compassion.
lectures complémentaires
James Johnson Sweeney, mari (1955), en italien, a beaucoup de bonnes reproductions en couleurs, bien que le texte soit insuffisant. Cesare Brandi, mari (trans. 1963), comprend des reproductions en couleur, du texte et une courte notice biographique. Burri reçoit une brève mention dans William C. Seitz, L'art de l'assemblage complète au niveau des unités (1961). Alberto Burri: Estampes 1959-1977 (1977) est une rétrospective intéressante. Une étude plus récente de l'artiste est G. Butterfield, Alberto Burri (1982). Une édition anglaise / italienne complète de ses œuvres de Art Books est Alberto Burri (1997). Sa nécrologie a paru dans le New York Times le 16 février 1995. □