Cinéaste espagnol.
Luis Buñuel est né au tournant du XXe siècle en Aragon, en Espagne, dans une famille de classe moyenne aisée. Même enfant, il était fasciné par la fantastique qualité spectrale des films; dans son autobiographie, il raconte le plaisir de regarder les ombres projetées sur un drap suspendu pour capter la lumière d'une lanterne magique. À dix-sept ans, Buñuel se rend à Madrid et passe les sept années suivantes à étudier et à vivre à la Residencia de Estudiantes, où il rencontre le dramaturge et poète Federico García Lorca, l'écrivain Ramón de la Serna et le peintre Salvador Dalí, entre autres.
Buñuel s'installe à Paris en 1925, ce qui lui ouvre le monde de la vie intellectuelle française et surtout du cinéma: le film qui l'a inspiré à devenir cinéaste est Destiny (1921), réalisé par Fritz Lang. Il s'est inscrit à la classe d'acteur de Jean Epstein et a réussi à travailler sur les films d'Epstein Mauprat (1926) et La Chute de la Maison Usher (1928), pour lequel Buñuel est crédité comme assistant. En 1929, Buñuel réalise son premier film avec Salvador Dalí (1904–1989). Les images étranges et souvent décousues de Un chien andalou (Un chien andalou) ont été inspirés par les rêves de Buñuel et de Dalí, et le film de dix-sept minutes a été un succès de scandale à Paris. Bien que Buñuel ait souvent désigné la théorie de l'inconscient de Sigmund Freud comme une influence clé, il a rejeté l'idée que ses films étaient psychanalytiques en soi ou même rationnellement analysables. Néanmoins, le style cinématographique de Buñuel joue constamment avec des motifs qui résonnent avec la pensée psychanalytique, y compris la répétition, la fantaisie, les rêves, la répression, les fétiches et toutes sortes de perversité. En fait, il a refusé avec insistance d'être caractérisé comme épousant une «école» de pensée, se référant à lui-même comme un «antifanatique fanatique».
Deuxième film de Buñuel, L'âge d'or (1930; L'âge d'or), cimenta son affinité avec les surréalistes français et, avec Un chien andalou, est le film le plus facilement associé au mouvement surréaliste. Bien que Dalí soit reconnu comme co-auteur du scénario, il a été beaucoup moins impliqué dans la réalisation de L'âge d'or qu'il n'avait été avec Un chien andalou, et nous y voyons de nombreux éléments qui finiraient par être connus comme distinctement «buñueliens»: un sentiment de révolution joyeuse, un effort pour épater les bourgeois (bousculer les conventions de la classe moyenne), des images fantastiques, fragmentées, oniriques et soudaines des éclats de violence.
Après avoir flirté brièvement avec une carrière à Hollywood, Buñuel s'est tourné vers un style de film quasi-documentaire avec sa représentation de la vie de pauvres ruraux espagnols Terre sans pain (1932). Bien qu'il s'écarte à bien des égards de l'esthétique fragmentée du surréalisme, il est toujours ironiquement ironique (les sur-réalistes ont appelé cela humour noir), puisque la narration en voix off ne correspond pas aux images, et le spectateur est obligé de remettre en question son autorité. Le son et la musique sont extrêmement importants dans les films de Buñuel - il associe souvent la musique classique canonique à des scènes taboues ou perverses. Il utilise également fréquemment le son contrapuntique, dans lequel le son et l'image se heurtent, par opposition au son direct, qui correspond exactement à l'action dans l'image.
Peu de temps après la fin de la guerre civile espagnole, Buñuel est retourné aux États-Unis, où il a travaillé pour le Museum of Modern Art. Cependant, lorsque la nouvelle de ses films précédents parvint aux États-Unis, Buñuel se trouva une persona non grata, car il était considéré comme trop radical pour l'atmosphère politique sensible des États-Unis dans les années 1940. Buñuel a déménagé au Mexique, où il a formé un partenariat avec le producteur Óscar Dancigers et a recommencé à faire des films. En 1950, il a publié Los Olvidados (Les jeunes et les damnés), qui forme son regard sans relâche sur la jeunesse pauvre de Mexico, et qui a valu à Buñuel le prix du meilleur réalisateur au Festival de Cannes. Comme la plupart des films de Buñuel, Los Olvidados travaille à briser l'opposition binaire entre l'oppresseur et la victime. Il n'y a pas de victimes au sens pur de Buñuel - seulement des gens qui essaient désespérément de survivre dans un monde malveillant et absurde.
Pendant le reste des années 1950, Buñuel est resté au Mexique pour faire des films avec des danseurs. Beaucoup apparaissent à la surface comme des mélodrames conventionnels. Pourtant, même ces films contiennent des éléments typiquement «buñueliens»: par exemple, dans La vie criminelle d'Archibaldo de la Cruz (1955), envoi hilarant de films noirs, on voit la prédilection de Buñuel à rassembler toutes les figures de proue de l'autorité - le clergé, les militaires et la police - pour dénoncer leur absurdité et ainsi remettre en question leur autorité.
En 1961, Buñuel a été invité à retourner en Espagne par le général Francisco Franco (1892-1975), qui voulait revigorer l'art et la culture espagnoles. Rebelle comme toujours, Buñuel en a profité pour faire Viridiana (1961), qui a ensuite été interdit en Espagne pour blasphème, malgré son succès mondial (il a remporté la Palme d'Or au Festival de Cannes cette année-là). Dans Viridiana, Buñuel s'intéresse non seulement aux mystères et aux hypocrisies de la religion, mais aussi à la nature théâtrale du pouvoir, qu'il soit situé dans l'église, le gouvernement ou le chef de famille. Viridiana explore également la nature de la transgression: l'oncle patriarche Eduardo se tue parce qu'il croit avoir offensé Viridiana avec ses pensées salaces. C'est aussi le but de Archibaldo de la Cruz, dans lequel le chef de la police dit finalement à Archie de manière consolante que la police ne peut pas arrêter une personne pour avoir souhaité la mort de quelqu'un, mais seulement pour avoir commis l'acte de meurtre.
Après sa débâcle en Espagne, Buñuel entame une collaboration longue et intensément productive avec Jean-Claude Carrière (né en 1931), son scénariste jusqu'à la mort de Buñuel en 1983. Ensemble, ils font Journal d'une femme de chambre (1964), dans laquelle la «normalité» bourgeoise est présentée comme une force oppressive et abrutissante, un récipient fragile pour les perversions tumultueuses de l'humanité. Journal intime a été suivi en 1967 par Belle de jour (son plus grand succès commercial, avec Catherine Deneuve), un film à nouveau concerné par les fantasmes pervers cachés sous la surface de la vie bourgeoise rassurée. Le cinéma de Buñuel se prête à une approche auteuriste: aussi différents en style, genre, géographie et période que les films sont, il y a pratiquement toujours des «signatures» qui les rendent reconnaissables comme celles de Buñuel. Il est revenu à l'atmosphère onirique de ses premiers films et, à ce titre, la fin des années 1960 et le début des années 1970 sont connus comme sa deuxième phase surréaliste. Il semblait alterner entre deux de ses sujets favoris, la religion et la bourgeoisie, en La voie Lactée (1969), Le charme discret de la bourgeoisie (1972), et Le fantôme de la liberté (1974). Il y a quelque chose d'hilarant libre d'esprit et en même temps sérieux dans sa critique des édifices religieux et socioculturels qui structurent nos vies, et l'effort constant de Buñuel pour expérimenter et repousser les limites de ce qui est cinématiquement possible a fait de lui l'un des plus influents. cinéastes dans l'histoire du cinéma. Dans son dernier film, Cet objet de désir obscur (1977), Buñuel utilise deux actrices différentes pour le même rôle - il prétend que c'est une décision capricieuse de sa part, mais cela souligne avec brio la nature éphémère du désir et la difficulté d'en voir une autre devant nous.