VELÁZQUEZ, DIEGO (Diego Rodríguez de Silva y Velázquez; 1599–1660), l'artiste le plus important de l'âge d'or espagnol. Fils de parents de la petite noblesse, Velázquez est né à Séville, où il vécut jusqu'à l'âge de vingt-quatre ans. Entre 1610 et 1616, il étudie avec Francisco Pacheco (1564–1654), le principal peintre de la ville. En 1618, il épousa la fille de Pacheco, Juana. Bien que profondément influencé par l'engagement de Pacheco envers l'idéal du savant peintre, il n'imite pas le style sec et italianisant de son maître.
Ses premières scènes de genre, y compris Une vieille femme faisant cuire des œufs (1618, National Gallery of Scotland, Édimbourg) et Waterseller (1619, Wellington Museum, Londres), constituent le premier groupe cohérent de peintures figuratives profanes d'un artiste espagnol. Ces œuvres ont probablement été influencées par des images de sujets religieux avec des détails de nature morte élaborés par des artistes flamands et italiens du nord tels que Pieter Aertsen (vers 1508 / 09-1575) et Vincezo Campi (1536-1591). Cependant, contrairement à ces prototypes, Velázquez a réduit les scènes à l'essentiel et s'est concentré sur quelques personnages et objets rendus de manière naturaliste, fortement éclairés sur un fond neutre. La dignité tranquille des personnages et la nature monumentale des compositions confèrent à ces images un sens d'une importance transcendante.
En 1623, aidé par des courtisans de Séville, il obtint l'occasion d'exécuter un portrait de Philippe IV (statué 1621–1665), qu'il révisa quelques années plus tard (1623–1626, Museo del Prado, Madrid). Velázquez a évité l'apparence de la pompe si typique du portrait de la cour baroque de l'époque. La pose élégante, le regard distant et l'éclairage doux et uniforme suffisent à indiquer la dignité d'un roi. Philip a immédiatement nommé peintre royal Velázquez; au cours des décennies suivantes, les deux ont développé une amitié étroite, sans précédent entre un artiste et un monarque espagnol.
L'interaction avec Peter Paul Rubens (1577–1640) lors de la visite de Rubens à Madrid en 1628–1629 a influencé de manière décisive le jeune artiste, qui a cherché à imiter l'exemple du peintre-courtisan. Rubens a stimulé l'intérêt de Velázquez pour la collection royale de peintures vénitiennes et l'a encouragé à élargir sa gamme de thèmes. Première peinture d'histoire de Velázquez, La fête de Bacchus (1629, Museo del Prado, Madrid), introduisit une note mélancolique inattendue dans le sujet mythologique populaire. Le mendiant, en quête d'aumônes auprès des paysans réunis autour de Bacchus, évoque la fugacité du plaisir du vin. Malgré son originalité, la définition incertaine de l'espace et la composition surpeuplée révèlent des carences artistiques.
Pour lui donner l'occasion d'améliorer ses compétences, Philip a envoyé Velázquez en Italie pendant plus d'un an (1629-1630). À Rome, il rencontre des artistes de premier plan et étudie des œuvres anciennes et de la Renaissance. La forge de Vulcain (1630, Museo del Prado, Madrid) a démontré sa maîtrise des qualités fondamentales de la tradition classique italienne, y compris l'anatomie précise, les expressions et les gestes dramatiques et la perspective spatiale. Toujours à Rome, il a produit deux vues des jardins de la Villa Médicis (toutes deux en 1630, Museo del Prado, Madrid), parmi les premières peintures européennes à avoir été créées directement à partir de la nature. En superposant des coups de pinceau "cassés" sur un fond blanc plomb réfléchissant, il a imprégné ces images apparemment décontractées d'une atmosphère.
De retour à Madrid en 1631, Velázquez entame la décennie la plus productive de sa carrière. Au milieu de la décennie, il avait mis au point une méthode très originale de création d'effets optiques grâce à l'application de traits courts et épais de formes et de tailles infiniment variées. Ainsi, par exemple, vu de loin, le travail de pinceau enchevêtré recouvrant les vêtements du roi en Philippe IV d'Espagne en marron et argent (1635, National Gallery, Londres) se résume à un récit convaincant de l'apparition du tissu brodé. Bien qu'animés par une manipulation libre de la peinture et une gamme de couleurs plus vives, les portraits royaux ultérieurs conservent la franchise et le naturel de ses premières œuvres à la cour.
Tout au long des années 1630, il supervise d'importants projets décoratifs dans les palais royaux. Pour la salle des royaumes du Buen Retiro, Madrid, il a conçu un programme cohérent de peintures de bataille, d'images mythologiques et de portraits. Pour cette série, il a produit le Reddition de Breda (1635, Museo del Prado, Madrid), chef-d'œuvre de l'époque. En dépeignant le général espagnol avec son bras sur l'épaule du leader néerlandais vaincu, il visualise l'idéal de la miséricorde dans la victoire, traité dans plusieurs œuvres contemporaines du dramaturge de la cour Pedro Calderón de la Barca (1600-1681). Velázquez a soigneusement étudié des portraits, des plans de bataille et d'autres documents afin de doter cette conception imaginaire de l'événement d'une aura d'authenticité. Ses peintures pour la Torre de la Parada, un pavillon de chasse près de Madrid, comprenaient deux portraits sympathiques et psychologiquement perspicaces de nains, Francisco Lezcano et Diego de Aceda (tous deux 1636–1640, Museo del Prado, Madrid). Également créé pour la Torre, Mars (1640, Museo del Prado, Madrid) dépeint avec humour l'ancien dieu de la guerre contemplant ses frustrations amoureuses.
Au cours des deux dernières décennies de sa carrière, Velázquez a réduit la portée (mais pas la qualité) de sa production artistique en se consacrant au service personnel du roi. Le sien Vénus et Cupidon (vers 1648, National Gallery, Londres) est l'un des rares nus féminins d'un artiste espagnol du début de l'ère moderne. La pose sensuelle, l'utilisation provocante de l'image miroir et les couleurs riches et lumineuses contribuent à l'attrait érotique de cette image. Entre 1649 et 1651, Velázquez a voyagé en Italie pour acheter des œuvres d'art pour la collection royale. Le sien Innocent X (1649–1650, Galleria Doria-Pamphili, Rome) exprime l'intense énergie psychologique du pontife vieillissant. À l'exposition de 1650 de la Congregazione dei Virtuosi à Rome, il a exposé le récemment achevé Juan de Pareja (1650, Metropolitan Museum of Art, New York). Utilisant des formules de composition associées au portrait aristocratique, il a souligné la dignité de son serviteur maure.
Le exceptionnellement grand Las filles (1656; Demoiselles d'honneur, Museo del Prado, Madrid) est considérée comme l'expression par excellence de ses aspirations artistiques. Velázquez se représentait debout avec confiance à son chevalet, en compagnie de la princesse Margarita et de ses accompagnateurs. Le roi et la reine se reflètent dans le miroir du mur du fond, dont la visite dans son atelier signifie l'approbation royale de son art.
Intrigué par Las filles, Pablo Picasso (1881–1973) y créa quarante-quatre variations en 1957 (toutes au Museo Picasso, Barcelone). Édouard Manet (1832–1883) fait partie des nombreux autres artistes modernistes qui ont trouvé l'inspiration dans les œuvres de Velázquez.