Compositeur français.
Un ami de Francis Poulenc a déclaré un jour: «Il y a en lui un moine et un coquin». En effet, Poulenc est peut-être le paradoxe le plus délicieux de la musique du XXe siècle. Son œuvre énorme va du sacré au risqué, mais chaque pièce parle avec la même voix engageante. Contrairement à de nombreux pairs, Poulenc se produit constamment, ce qui le maintient en contact avec les spectateurs, et ne se sent jamais obligé de se réinventer ou d'adopter des méthodes à la mode comme le sérialisme. Au lieu de cela, il a préféré créer, évoluer et être simplement qui il était. Ainsi Poulenc est devenu l'un des compositeurs les plus estimés au monde alors que la musique d'art semblait souvent indifférente à son public.
La base du style unique de Poulenc s'est formée tôt. Son père, fervent catholique du sud de la France qui dirigeait la société pharmaceutique Rhône-Poulenc, aimait la musique orchestrale et l'opéra, en particulier celui des compositeurs français Hector Berlioz et Jules Massenet. Sa mère, dont la famille était parisienne, jouait la musique de Wolfgang Mozart et Frédéric Chopin au piano et exposait son fils à l'art, au ballet, à la littérature et à la musique, lui insufflant des passions soutenues tout au long de sa vie. À quatorze ans, Poulenc entame des études de piano avec Ricardo Viñes, qui l'initie aux dernières musiques françaises, espagnoles et russes et encourage ses efforts de composition. En 1917, les parents de Poulenc étaient décédés, mais un héritage lui a permis de pratiquer la musique. Ne réussissant pas à entrer au Conservatoire de Paris cette année-là, Poulenc fut recruté pour défendre la France, mais sa musique distinctive avait déjà commencé à attirer l'attention. À la fin de la Première Guerre mondiale, Poulenc fait la connaissance de l'écrivain Jean Cocteau, dont la collaboration avec Erik Satie, Pablo Picasso et les Ballets russes sur le ballet Parade (1917) avait attiré de nombreux jeunes musiciens. Leur esthétique rejetait le romantisme, le wagnérisme et l'impressionnisme, mettant plutôt l'accent sur la simplicité, la clarté et les «sensibilités françaises». Pendant la période euphorique et exaltante d'après-guerre à Paris, six de ces Nouveaux Jeunes (nouveaux jeunes, jeunes parvenus) - Darius Milhaud, Louis Durey, Georges Auric, Arthur Honegger, Francis Poulenc et Germaine Tailleferre - ont été mis en avant en 1920 par le journaliste Henri Collet, qui les a appelés Les Six, en les comparant à Les Cinq Russes (Les cinq russes). En tant que compositeurs, Les Six avaient des styles différents, mais leur amitié et leur intérêt pour les mouvements artistiques comme le cubisme, le surréalisme et le fauvisme ont favorisé un encouragement mutuel et attiré la publicité. Autodidacte en tant que compositeur, Poulenc étudie avec son collègue compositeur Charles Koechlin de 1921 à 1925 pour améliorer sa technique, alors même que sa renommée grandit. A partir de ces influences et circonstances, Poulenc a développé un style énergique, lyrique et coloré, mais aussi spontané, humoristique et provocateur, mais surtout personnel et expressif.
Poulenc a acquis une renommée précoce avec des œuvres pour piano solo, mais les genres collaboratifs semblent l'inspirer davantage. Sa musique de chambre comprend des sonates pour violon (1943), violoncelle (1948), flûte (1957), clarinette (1962) et hautbois (1962), ainsi que des œuvres pour diverses combinaisons d'instruments et / ou de voix. Avec 137 Mélodies, beaucoup écrits pour son ami et collaborateur fréquent, le baryton Pierre Bernac, la contribution de Poulenc au genre vocal intime français n'a d'égal au XXe siècle que celle de Gabriel Fauré. Pourtant, la créativité de Poulenc pourrait aussi être extravertie, comme le démontrent les concertos pour accords de clavecin (1928), deux pianos (1932), orgue (1938) et piano (1949). La débauche Chances galliardes (1926; chansons de Ribald) ainsi que le charmant L'histoire de Babar (1945; Histoire de Babar) représentent d'autres aspects de sa nature extravertie.
Les œuvres de Poulenc pour la scène peuvent être ses réalisations les plus importantes. Le ballet précoce Les biches (1923; Les biches) solidifia sa réputation de provacateur novateur. À l'opéra, sa farce comique Les mamelles de Tirésias (1944; Les seins de Tirésias), le drame historique Dialogues des Carmélites (1957; Dialogues des carmélites), et une tragédie, La voix humaine (1958; La voix humaine), figurent parmi les monuments dramatiques du XXe siècle. Pourtant, Poulenc était peut-être le plus fier de sa musique sacrée. Le sien Litanies à la Vierge Noire (1936; Litanies à la Vierge Noire), Masse (1937), et Stabat Mater (1950; Sorrowful Mother) représentent des contributions remarquablement originales mais sincères à la littérature chorale catholique.
Au cours de ses quinze dernières années, Poulenc s'est souvent rendu aux États-Unis pour des concerts de sa propre musique et a été à la fois touché et revigoré par l'accueil qu'il a reçu. Le sien Gloria (1959), commandé par la Fondation Koussevitzky et créé par le Boston Symphony, plus son Sept répons des ténébres (1962; Sept réponses pour tenebrae), commandé par l'Orchestre philharmonique de New York pour célébrer l'ouverture du Lincoln Center, témoigne d'une chaleureuse affection mutuelle. Poulenc a dit un jour: «Surtout, n'analyse pas ma musique, aime-la» (Bernac, p. 13). Il semble clair que les Américains, ainsi que les Français, voire les mélomanes du monde entier, ont embrassé son art comme il le souhaitait.