Godard, Jean-Luc (né en 1930)

Cinéaste français.

Né en 1930 dans une famille bourgeoise protestante, Jean-Luc Godard fréquenta religieusement la Cinémathèque française d'Henri Langlois. Il y rencontre André Bazin, François Truffaut, Jacques Rivette et Eric Rohmer, et les rejoint en tant qu'écrivain pour le Cahiers du cinéma (Cahiers de cinéma). Dans ce journal, il critique les normes établies et défend la fameuse idée de "la politique des auteurs", qui stipule qu'un cinéaste ne doit faire son film qu'en fonction de ses propres préoccupations personnelles. C'est dans cette optique que, lorsqu'il a commencé à réaliser lui-même, il a rejoint ce qu'on a appelé la nouvelle vague.

Ce mouvement, qui s'est développé entre 1957 et 1962, était en contradiction totale avec les idées de production cinématographique de l'époque et se caractérisait par une grande liberté de création. Le mouvement de la nouvelle vague comprend un groupe de films qui, explicitement ou implicitement, traitaient de questions existentielles, sociales ou politiques. Malgré la grande variété de personnalités qui composent le mouvement, on peut dire que c'était une école dont les films étaient impertinents, ludiques, inventifs, et dont les choix esthétiques, tout en encourageant l'improvisation, avaient beaucoup de points communs avec l'art moderne. En même temps, c'était une sorte de cinéma qui renvoyait constamment à l'histoire du cinéma, que ces jeunes cinéphiles connaissaient généralement bien (ils appréciaient les classiques de l'ère du silence, mais aussi les films américains, notamment ceux d'Alfred Hitchcock et d'Howard. Hawks).

En 1959, après avoir réalisé quatre courts métrages, Godard utilise un scénario de Truffaut pour réaliser son film phare À bout du souffle (1960; Breathless). L'originalité du scénario, les personnages du film "B", la méthode de jeu très moderne des acteurs (les inoubliables Jean Seberg et Jean-Paul Belmondo) et le montage syncopé ont frappé les cinéphiles contemporains. Le producteur, Georges de Beauregard, allait financer six autres longs métrages du cinéaste: Le petit soldat dans 1960 (Le petit soldat interdit pendant trois ans par la censure française en raison de ses références à la guerre d'Algérie), Une femme est une femme (Une femme est une femme) en 1961, Les carabiniers et Le Mépris (Les fusiliers et Mépris) en 1963, et Fabriqué aux États-Unis dès 1966.

D'un film à l'autre, Godard explore tous les aspects de l'expression cinématographique et devient un artiste politiquement engagé. Après avoir très subtilement référencé le Vietnam en Pierrotlefou (1965), Masculin, féminin (1966; Homme Femme), Fabriqué aux États-Unis, et plus directement dans La Chinoise (1967; La femme chinoise), il entre dans une période d'activisme avec sa collaboration dans le projet de groupe film Loin du Vietnam (Loin du Vietnam) en 1967. Sa contribution, le court métrage Oeil de caméra, était une confrontation brutale entre le discours politique et sa pratique, un processus qui cherche à exposer les mécanismes du film pour mieux dénoncer l'illusion de l'objectivité réaliste d'une image. Très proche de la méthode brechtienne, cette mise en perspective des dispositifs du cinéma empêche toute croyance en ce qui est montré comme bénéfique au jugement critique, faisant passer l'implication du spectateur de la passivité à la compréhension active. Tourné avec une grande caméra Mitchell, le cinéaste a commencé (la voix off est la voix de Godard) en se demandant comment la cause vietnamienne pouvait être représentée. À cette fin, il a déclaré que s'il avait été caméraman pour des réseaux d'information américains ou soviétiques, il aurait enregistré les effets des bombardements sur les agriculteurs. Mais il n'a jamais reçu la permission d'aller au Vietnam. Selon Godard, cette difficulté à endosser la responsabilité créative était encore plus grande, en ce qui le concernait, car ses films s'adressaient principalement aux intellectuels, à une petite communauté de gens cultivés, et non aux masses. Il s'est concentré sur l'écart qui le séparait de la classe ouvrière qui n'allait pas voir ses films. Par conséquent, il a estimé que la seule solution était de se laisser complètement absorber par le Vietnam. Son film, a-t-il dit, n'était pas seulement un film de guerre mais un symbole général de résistance qui servirait de cadre politique pour exprimer toute forme d'opposition.

Après ce film, l'approche de Godard en matière de réalisation cinématographique reposait avant tout sur la remise en question de sa propre vision des films, dans lesquels «les images ne servent pas à voir mais à penser», comme il le disait. Toutes ses œuvres suivantes (dont la plus emblématique était Passion, fait en 1982), au-delà des contraintes de la réalité, exprimait cette volonté d'échapper aux modèles culturels dominants, afin de remettre constamment en question ses propres méthodes de création. De ce point de vue, son entreprise la plus ambitieuse était sa Histoire (s) du cinéma (1989, 1997, 1998), une idée qui remontait à 1975 mais qui a commencé en 1980 avec un livre intitulé Introduction àunevéritable histoire du cinéma (Introduction à une véritable histoire du cinéma), qui est ensuite devenu un film en huit parties, d'une durée de plus de cinq heures, sur l'histoire de l'art, l'humanité et les événements bouleversants du XXe siècle.

Ce formidable travail de collage et de juxtaposition d'images (les siennes et des autres) et de sons, entrecoupés de digressions et de réflexions (exprimées par Godard lui-même), est une méditation et une vision rétrospective de la place du cinéma dans la société humaine à la fois lugubre. et plein de pertinence et de beauté. En d'autres termes, c'est le cinéma au siècle et le siècle au cinéma. Le résultat fut un montage vertigineux mais fascinant, lyrique aussi bien qu'elliptique, saturé de références esthétiques, philosophiques, politiques et religieuses. Mélancolie, poésie, légèreté et humour se mêlent.

Peintre avant sa palette (qui, dans son cas, serait graphique), Godard a exposé les liens, les relations et les similitudes entre la peinture et le film, inspiré par Élie Faure et André Malraux. De Pour toujours Mozart (1996) à Notre musique (2004; Notre musique), la plupart des films de Godard ont été façonnés par l'idée que le film n'est pas le témoin mais l'analyste de l'histoire, loin du prétendu devoir d'objectivité prôné par certaines productions audiovisuelles entièrement formatées pour la télévision (et, ici, son les films ont également critiqué les médias). Cependant, le cinéma n'est qu'un élément de la grande histoire de la représentation. C'est un élément, selon le pessimisme de Godard, qui est en danger de disparaître, dont les traces sont périssables en raison de la nature même du matériau qui le supporte. Si la prophétie se réalise, il est clair que son œuvre et ses Histoire (s) du cinéma en particulier, sera l'une des plus belles tombes du film.